Tenemos que admitir que, de vez en cuando, nuestra querida Mala Siampatni nos escribe, entusiasmada, por el descubrimiento de algún diseñador que le fascina. Esta vez, nos habló de su reciente experiencia en la exposición JOYA de Barcelona y del trabajo de la diseñadora catalana María Ninot.

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María Ninot – Foto: Amaia Brena

María tiene dos pasiones: su trabajo y su ciudad, Barcelona. Tras pasar dos años sin saber qué hacer con su vida tras el Bachillerato, comenzó a estudiar diversas disciplinas, todas relacionadas con el arte. Así, cursó joyería en La Industrial, aprendió a trabajar esmaltes al fuego y escultura, en la Facultad de Bellas Artes.

Ha expuesto sus obras en ciudades como Valencia, Barcelona, Legnica, Hangzou, Munich. En 2009, ganó el premio de opinión Enjoia’t y en 2013 el concurso Jo.Joia, cuyo premio fue la posibilidad de compartir stand en la feria Inhorgenta en Munich, este año.

Su taller está en la Asociación Oslo Barcelona Work&Shop, un espacio creativo muy interesante. Se definen como “una plataforma que pretende hacer micropolítica: local, transparente, coherente y participativa. En OSLO se reúnen más de 30 artistas que venden “sin intermediarios, apoyando al creador frente a las grandes marcas obteniendo así productos de calidad a precios accesibles y justos”.

El trabajo de María Ninot es pulcro, podríamos decir que de apariencia sencilla, sin más pretensiones que la de ser una bella artesanía hecha con gusto y muy personal. Por otra parte, María sorprende con sus conocimientos de escultura creando unas piezas eólicas que ha fascinado al equipo de So Catchy! Where Fashion Begins y ha despertado en nosotros la curiosidad por conocerla un poco mejor.

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SO CATCHY!: No tenías muy claro qué hacer, qué estudiar cuando acabaste los estudios de Bachillerato y comenzaste tu formación en la rama de la artesanía porque te gustaba ¿Cuándo ganó la joyería el pulso de tus pasiones?

MARÍA NINOT: Haciendo un curso de esmaltes al fuego conocí a dos joyeras que me hicieron ver como era la joyería actual, muy distinta a lo que yo consideraba joyería. Me picó la curiosidad de cómo se hacían las joyas, del tratamiento con el metal, y de cómo una joya puede representar a una persona.

SC!: ¿Cómo definirías tu trabajo?

MN: Mi trabajo se divide en dos líneas básicamente. Una está más pensada estéticamente, creada como adornos corporales con los que la mayoría de gente se siente cómoda; son distintas colecciones de series limitadas. La otra es una línea más artística, donde las piezas son más creativas y conceptuales, la mayoría de ellas piezas únicas. La primera es una puerta de acceso para quien no conoce la joyería contemporánea,  la segunda es mi pasión.

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SC!: Eres una de las expositoras de OSLO, ¿cómo se trabaja en un lugar en el que hay tanto talento creativo, con el compromiso social que defiende este lugar?

MN: Mi taller está ubicado en la Asociación Oslo Barcelona Work&Shop, que comparto con tres artistas más, Aloma Lafontana, Amaia Brena y Ana Vivero. Compartir con otros artistas siempre ha sido positivo para mí. Logísticamente, porque se reparten gastos y esfuerzos pero, sobretodo, porque diferentes puntos de vista me ayudan a ver mi obra desde otros ángulos. En Oslo somos 34 asociados en total, desde ilustradores, artesanos de la piel, joyeros, sombrereros…. Nos sirve de plataforma, unidos tenemos más fuerza.


SC!: Si alguien quiere comprar alguna de tus piezas, además de en OSLO, ¿dónde puede llamar o escribir?, ¿vendes online?

MN: Yo atiendo a todo el que llega a mi, ya sea por email o por mi blog, tengo una tienda en Etsy, y Oslo tiene un espacio de venta en Chicplace, donde también hay piezas mías.
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María Ninot en su taller – Foto: Amaia Brena

SC!: ¿Cuál es el precio medio de una de tus piezas?

MN: Las piezas más sencillas van sobre los 35€ y las más complejas están sobre los 150€
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SC!: ¿Y el precio medio de algunas de la última colección (La fuerza del viento)?

MN: Las piezas del viento son mayoritariamente piezas únicas, son pequeñas esculturas y los precios van des de 120€ a 800€.

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SC!: ¿Por qué quisiste trabajar con el viento como tema de tu colección?

MN: Cuando estudiaba bellas artes descubrí un escultor, César Manrique, que tenía una serie de esculturas eólicas. Me fascinó, ya que el viento siempre ha sido el elemento que más me ha gustado; porque me trasporta, me “limpia”, me calma y me vuelve loca. Y así empecé, haciendo esculturas que se movían y acabé reduciendo el tamaño, hasta llegar a la joya.

SC!: Háblanos de tu “Piezas Origen”, esas que creaste para mujeres embarazadas.

Para mí era una manera de hablar del vínculo materno, nuestra unión era mediante el cordón umbilical, ahora el ombligo. Es una parte del cuerpo que siempre ha sido delicada para mí, porque para mí es una puerta hacia mi interior. Así que decidí crear estas piezas, que funcionan como “amuleto” y a la vez dejan ver la sensibilidad de este punto. Estas piezas me sirvieron mucho a nivel de crecimiento espiritual, trabajar sobre los miedos de cada uno ayuda a dejar de tenerlos.

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SC!: Háblanos de tu proceso creativo y de fabricación.

MN: No puedo decir que sea una persona muy ordenada, así que mi proceso de creación y fabricación tampoco lo son. Trabajo mucho sobre la marcha, hago reposición de colecciones que se agotan, intercalando encargos personalizados. Y me permito el lujo de dejar de hacer estas tareas cuando me asalta una idea en la cabeza, o cuando tengo un mal día y quiero no pensar, sino crear lo que me llena de verdad. En meses de mucha actividad comercial tampoco puedo atender mis necesidades artísticas, así que compenso con los meses bobos como febrero para encerrarme en el taller y sacar nuevas colecciones o divertirme con mis creaciones más artísticas.
Yo hago todo el proceso de trabajo en mis piezas, desde el diseño, la fabricación y los acabados. No todas las facetas me llenan de alegría, pero es la manera de que todo acabe como yo quiero.


SC!: ¿Cuál es, según tu punto de vista, el futuro del diseño y fabricación de joyas?

MN: Creo que desde hace unos años ya se está potenciando mucho el diseño de los jóvenes creadores locales. Y desde los inicios de la crisis muchos pasos de la fabricación se asumen por el mismo joyero que diseña, o se ha aprendido a hacer producciones más pequeñas (no perdiendo dinero y ganando en resultado). Pero también cada vez hay más mercado para la importación de otros países, reventando precios y usando diseños que puedes encontrar en todas las ciudades turísticas del mundo, al final llevamos todos lo mismo y perdemos identidad. Lo que sería ideal es que volvamos un poco al consumo consciente y ético, que la gente vuelva a aprender el valor de las cosas, y de ser más conscientes del coste real (no sólo el económico). Así que espero que el futuro de la joyería sea más consciente y responsable, comprando menos cantidad pero con más sentido. Pasa lo mismo a una escala mayor con la ropa. Comprar en grandes cadenas sale muy barato al momento de pagar, muy caro moralmente. Con el tiempo la gente está aprendiendo que vale más pagar un poco más y saber que la prenda está bien hecha.

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SC!: En un mundo tan de la impresión 3D y las tecnologías más punteras para la fabricación de objetos, ¿defiendes la artesanía más tradicional como forma de fabricación ideal para piezas de joyería?

MN: En mi caso yo prefiero hacerme cargo del proceso de manera tradicional, porqué me gusta trabajar más con el metal directamente que con el ordenador. Aunque me fascina lo que se puede llegar a hacer con las impresoras 3D, pienso que mis creaciones no las precisan.

SC!: ¿Has trabajado alguna vez con programas e impresoras 3D para la fabricación de tus piezas?, ¿cómo fue la experiencia?

MN: Alguna vez he hecho algún diseño con programas 3D, para probar el programa básicamente, pero nunca he llegado a imprimir la pieza, ya que no consideraba que valiera la pena… si algún día algún diseño precisa de impresión 3D no dudaré en hacerlo pero, hasta la fecha, todo lo que he ideado era menos costoso con otro proceso (de taller directamente o a la cera perdida).

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SC!: Menciona a un diseñador/a de joyas al que admires…

MN: Me es difícil nombrar sólo a un diseñador favorito, más que favoritos admiro a muchos, por una razón u otra. Pero como joyera de metal, mis favoritismos van en la misma dirección, porque es en mis semejantes donde encuentro más cosas a las que admirar.  Mucha gente me dice que soy muy delicada en mi trabajo, pero yo considero que delicadeza es Marta Boan. Hay gente que me dice que mis piezas son muy cinéticas, pero el cinético para mi es Jordi Aparicio. Y otra en mi lista de muchos es Anna Krol, por el lenguaje poético a donde llegan sus piezas.

SC!: Menciona algo que no puedas dejar de llevar puesto.

MN: Normalmente no me quito de encima un collar muy sencillo y discreto, hecho por mi claro está, es una cadenita muy corta y finita con tres pequeños cuencos. No soy mucho de llevar joyas, y este collar es como casi no llevar nada.

SC!: Conociste hace poco a Mala Siamptani, a la que admiramos mucho y entrevistamos hace algunos meses pero que tiene un tipo de joyería muy diferente a la tuya… ¿cómo valoras su trabajo?

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MN: Su trabajo es radicalmente distinto al mío. Digamos que mi educación como joyera ha sido muy clásica y la suya ha derivado de otras disciplinas. Cada una de nosotras se expresa con un material que conoce y puede llevar donde quiere. Sus piezas me remueven algo por dentro, a pesar de que sean de materiales muy nuevos como la resina tienen para mí un componente “prehistórico” muy fuerte. Sus últimas piezas, las mezcladas con polvo de hierro concretamente, son testimonios del paso del tiempo; son amuletos contemporáneos donde las formas que cobran nos remiten a los huesos de la pelvis, que considero que para la mujer es la base del cuerpo. Así que veo su trabajo como algo profundo que sale de dentro, y este tipo de autenticidad es la que me llena en el mundo de la joyería.

Fotos cortesía de María Ninot

Layout por Michael Padilla